Georges de La Tour, entre Ombre et lumière

Georges de La Tour (1593–1652) est l’un des peintres les plus mystérieux du XVIIe siècle. Longtemps oublié après sa mort, redécouvert au en 1915 grâce à l’historien Hermann Voss, qui identifie Le Tricheur au Louvre, son œuvre fascine par son réalisme saisissant et son jeu subtil sur la lumière. Cette exposition-événement est la première rétrospective française qui lui est consacrée depuis 1997. 

L’exposition propose une relecture de la carrière de Georges de La Tour en s’attachant à éclairer les interrogations qui entourent encore son œuvre. Elle rassemble une trentaine de tableaux - dont certains rarement prêtés - et d’œuvres graphiques sur la quarantaine d’œuvres connues de l’artiste, qui a su créer un langage pictural d’une grande puissance émotionnelle, capable de traverser les siècles. 

Par son naturalisme subtil, l’épure de ses compositions et leur intensité spirituelle, l’art de Georges de La Tour a laissé une empreinte profonde dans l’histoire de l’art. 

Le parcours à l’approche thématique destinée à cerner l’originalité de Georges de La Tour, nous conduit dans son univers intime et sensoriel. Le faible éclairage de certaines salles permet de reproduire l’atmosphère tamisée de ses toiles, invitant à une expérience immersive.

• La première section explore les origines du style de Georges de La Tour, entre un attachement local et l’influence du caravagisme européen. D’emblée, le visiteur découvre des tableaux emblématiques comme la Femme à la puce (Musée Lorrain, Nancy) et Job raillé par sa femme (Mudaac, Épinal), symboles de dépouillement, de mystère et d’intensité spirituelle.

• Dans la deuxième salle, une attention nouvelle est portée aux œuvres de jeunesse du peintre : des compositions diurnes représentent les personnages marginaux de musiciens aveugles, mendiants, vieillards. Georges de La Tour fut avant tout un peintre du peuple, un véritable « peintre de la réalité ».

• La troisième salle confronte deux versions du Saint Jérôme pénitent, prêtées par les musées de Grenoble et de Stockholm. La comparaison de ces deux œuvres interroge sur le statut de l’original, de la réplique ou du travail d’atelier – une question essentielle à la compréhension du travail de Georges La Tour. En effet, l’artiste n’hésitait pas à reprendre ses propres compositions, parfois de sa main, parfois avec l’aide de son atelier, dans une logique de production parfaitement assumée. 

• La quatrième salle réunit plusieurs portraits de saints dont émanent une humanité, un réalisme psychologique, une attention aux marques du temps – rides, cicatrices, visages vers burinés. L’absence de tout autoportrait connu de l’artiste, nous incite à chercher ce que George de La Tour aurait pu suggérer de lui-même.

• Dans le prolongement du thème précédent, la cinquième salle réunit des figures de saints, absorbés dans la prière ou la lecture. Chez l’artiste, cette occupation ne donne lieu à aucun mouvement : les corps restent immobiles, les gestes sont réduits à l’essentiel.  La lumière sur les personnages et les objets, devient le symbole du divin. 

• La sixième salle évoque le foisonnement artistique du Duché qui va inspirer l’artiste lorrain.

• L’avant-dernière section réunit plusieurs chefs-d’œuvre nocturnes. À l’apogée de son art, Georges de La Tour invente un ténébrisme d’un nouveau style, où la lumière ne se contente pas d’éclairer les scènes, mais en devient le sujet même. Les tableaux exposés montrent comment le peintre lorrain emprunte à la tradition caravagesque – et comment il s’en émancipe.

• La dernière section réunit des œuvres tardives de Georges de La Tour, qui se distinguent par une stylisation extrême du sujet et une lumière essentielle.